Para abrir el video de sus artistas preferidos, con el "mouse" haga un CLICK sobre el NOMBRE DE LA CANCION; en algunas páginas un CLICK sobre el NOMBRE DEL ARTISTA lo enlaza con un tema musical. El orden de los Archivos está de acuerdo a las fechas de ingreso; por favor revise las páginas de los MESES ANTERIORES, encontrará grandes actuaciones de orquestas, grupos y vocalistas de ayer y de hoy: OPERA, MUSICALES, JAZZ, CLASSIC OLDIES, CLASSIC ROCK & POP - All Easy Listening Songs - Deseamos que pase muy gratos momentos en compañia de la mejor música. Un afectuoso abrazo.
"Diana Krall was groomed for a career in music from a young age. With her powerhouse vocals and fast fingers on the keyboard, Krall quickly rose to fame as the blonde bombshell of jazz. She even married British rocker Elvis Costello at the home of music icon Sir Elton John. Her strong, smokey voice has earned her two Grammy Awards and six nominations throughout her career.." - SonomaNews - CA.
Beyonce............. "Fever" -R&B,Pop- Eddie Cooley and Otis Blackwell,1956 Connie Talbot.... "Smile" - Pop - music by Charlie Chaplin, lyrics J.Turner ,G.Parsons,1936 Rod Stewart......."What a Wonderful World"-Pop - Bob Thiele and George D.Weiss,1967 DianaKrall........ "The Look Of Love"- Pop - Burt Bacharach - 1967
Eliane Elias....... "Call me"- Pop - Tony Hatch,1965 Sugababes............ "For Once in My Life"- Jazz,Pop - Ron Miller and Orlando Murden,1967
"Harry Connick, Jr. cantante y pianista estadounidense. Su repertorio y estilo se aproxima al jazz por la vía del swing y de la canción popular estadounidense. Se trata de un moderno crooner, dentro de la estela generada por la influyente generación de Frank Sinatra. La carrera de Connick comenzó con dos discos de clara orientación jazzística (aunque desde un punto de vista muy tradicional), para luego centrarse en un estilo más pop como moderno crooner" - from Wikipedia
JaneMonheit..... "I Won't Dance"- Jazz,Pop - Jerome Kern, D. Fields and J.McHugh,1934 Jamie Cullum.... " Mrs. Robinson"- Pop - Paul Simon,1968 JoshGroban...... "Vincent"- Ballad - Don McLean,1971 KurtElling......... "Nature Boy"- Jazz - Eden Ahbez, 1940s, published 1947 Laura Fygi......... "Dream a Little Dream" - Jazz - Fabian Andre and W.Schwandt,1930
"When you listen to Laura Fygi singing, you are struck by her fine intonation, her excellent phrasing, her relaxed sense of swing, her clear diction, mellow voice and her sophisticated choice of repertoire. But what impresses most of all is the abundant joy she clearly derives from performing - a joy which she unfailingly communicates to her audience. Listen to her Verve album, Live at Ronnie Scott's, recorded in March 2002, which features such imperishable standards from the Great American Songbook as Lady Day's "Good Morning Heartache," Sammy Fain's "That Old Feeling," Cole Porter's "Just One Of Those Things" and Hoagy Carmichael's "The Nearness Of You" and note how she breathes new, vibrant life into these immortal classics" - Mike Hennessey
"Sophie Milman is a Russian born jazz vocalist who currently lives in Canada. After emigrating from Russia in the early 1990s, Milman, who is of Jewish heritage, spent most of her childhood years in Israel where she listened extensively to jazz. Her self-titled debut album was released on October 12, 2004 in Canada"-
"Not charts, not sheet music: instead, Toronto's youngest vocal jazz sensation is curled up with a good, text-heavy, hardcover book. It's an accurate depiction of 22-year-old Milman, who for the last two-and-a-half years has been studying commerce full time at the University of Toronto while nicely making way, in her spare time, in the uncertain waters of the jazz world. Her album hit the Canadian Top Ten early this year; she's booked at jazz festivals throughout Canada this summer, and she is one of the nominees for the first annual Canadian Smooth Jazz Awards, to be presented April 10, competing against the likes of jazz star Diana Krall in the category of Best Female Vocalist". - Aliyah Baruchin
Rod Stewart............ "The Way You Look Tonight" - Jerome Kern, D.Fields,1936 Susan Wong............ "Beyond the Sea" - Pop - Jack Lawrence and Charles Trenet,1959 The Pussycat Dolls.. "Sway" Mambo - Pablo Beltrán Ruiz,1953
As an adolescent growing up in Oakdale, Long Island within a musical family, Jane Monheit (born November 3, 1977) studied clarinet and theory while acting and singing in local theater productions. Jane was 17 when she began formal vocal training with Peter Eldridge at the Manhattan School of Music. In 1998, at age 20, she placed second among vocalists in the Thelonious Monk International Jazz Competition. In 2000, Jane released her debut album Never Never Land through N-Coded Music, with accompaniment by such notables as pianist Kenny Barron, bassist Ron Carter, and saxophonist David "Fathead" Newman.
Never Never Land remained on the Billboard Jazz chart for over a year and was voted Best Debut Recording by the members of the Jazz Journalists Association. In May 2001, Jane's second album Come Dream with Me (N-Coded/Warlock) entered the chart at Number One. It included the Judy Garland classic "Over The Rainbow,"
Jane Monheit made her major label debut in September 2004 with Taking a Chance On Love on Sony Classical. Co-produced by Peter Asher and Al Schmitt, this album-length expression of the singer's passion for Thirties and Forties movie musicals included a duet with Michael Bublé on "I Won't Dance" along with her deeply personal interpretations of "Love Me Or Leave Me," "Dancing In The Dark," and "Embraceable You," among other timeless favorites. "Dancing in the Dark" was nominated for a Grammy Award for Best Instrumental Arrangement Accompanying Vocals. Taking a Chance On Love has remained on the Billboard Top 10 jazz chart since its release.
Con siete años de carrera y seis discos a sus espaldas, la joven cantante estadounidense de jazz Jane Monheit demuestra su pasión por Brasil. En su último trabajo, Monheit se atreve incluso con el portugués, 'una lengua realmente bonita y muy divertida para cantar'.'El portugués cambia totalmente la forma en la que se llega al público. Rompe todas las reglas que se supone que debes seguir al cantar en inglés. Es muy interesante para mí experimentar eso', comenta la artista de 29 años, quien ha sido nominada dos veces para los premios musicales Grammy.A pesar de haber nacido en Nueva York y haberse educado en la Escuela de Música de Manhattan, Monheit ha querido inundar este último trabajo de un ritmo que procede de la otra parte del continente americano: el bossa nova.....
Jane Monheit confiesa sentirse 'orgullosa' cuando expertos de la música de su país la comparan con su compatriota Ella Fitzgerald, su 'heroína', asegura, cuando era niña.Hoy, ya 'no tan joven', apostilla, y con más de 500.000 discos vendidos, Monheit se siente a gusto en un mundo, como el del jazz, cuyos profesionales tienen una media de edad muy por encima de la suya.'Me gusta trabajar en este mundo de adultos. He encontrado un lugar en este negocio donde me siento muy a gusto y feliz', indica la cantante, quien piensa llevar su carrera musical por los derroteros que ha tomado hasta ahora, quizá menos populares porque, incide, no se plantea su trabajo en términos de ventas. ( Terra Actualidad Efe Cultura y Espectáculos, Musica, Jazz 9-5-2007 )
Jane Monheit, 2 veces nominada a los premios Grammy, es una de las más respetadas figuras de la nueva generación de vocalistas de jazz en los Estados Unidos. Su voz, y también su belleza, han contribuido a ello. Tras 7 años de carrera y 6 discos publicados, los dos últimos editados por Sony, Jane Monheit graba "Surrender" su 7º album y el primero para Concord - Universal. Los temas de este álbum son una elegante mezcla de jazz, soul, pop y bossa-nova y en el hace gala de una voz cristalina y un fraseo fluido y lleno de matices; con la participación de Sergio Mendes, Ivan Lins y Toots Thielemans.
Michael Steven Bublé (n. el 9 de septiembre de 1975 en Vancouver, Columbia Británica), es un cantante de jazz y actor canadiense. Ha ganado diversos premios, incluyendo un Grammy y varios Juno Awards. Los logros obtenidos alcanzaron modestas posiciones en las listas de los Estados Unidos, pero su álbum homónimo estuvo entre los diez primeros del Líbano, del Reino Unido y en su propio país. Pero no fue hasta 2005 en donde se convirtió en todo suceso comercial en los Estados Unidos con su álbum It's time, el que vendió alrededor de 18 milliones de copias.
Michael Bublé nació en Vancouver, Canadá. Es descendiente de italianos. Michael creció escuchando la colección de discos de jazz de su abuelo, y en su sitio web señala la importancia de éste en su carrera musical. Ha grabado tres álbumes independientes, uno es un presente para su abuelo. En 2000. Recibió dos nominaciones en los Genie Award por las canciones que escribió para la película Here's to Life. Michael en sus inicios fue invitado a cantar al matrimonio de la hija de Caroline Mulroney en 2000, donde cantó "Mack the Knife" de Kurt Weill. En la boda, Brian Mulroney presentó a Bublé a David Foster, un productor (ganador de varios Grammy) y ejecutivo de Warner Brothers quien trabajó con Josh Groban previamente.Foster llevó a Bublé al sello para grabar Michael Bublé en 2000. El álbum presenta una serie de temas de diversas épocas, entre ellos "Fever", "The Way You Look Tonight", "For Once in My Life", "Moondance" de Van Morrison y "You'll Never Find Another Love Like Mine" de Lou Rawls. Barry Gibb de los Bee Gees escuchó la versión de Bublé del tema "How Can You Mend a Broken Heart?", canción que lo llevó hasta el # 1 en varios países.
El álbum Michael Bublé fue lanzado a mediado de 2003. Fue todo un éxito en los Chart de Canadá, Reino Unido, Estados Unidos y Australia. ( Wikipedia )
Ask Michael Bublé how he felt going in to record his third studio album, Call Me Irresponsible, and this artist with 11 million albums sold and two Grammy nominations under his belt can sum it up in one word. “Terrified,” he says simply. Terrified? Bublé has certainly achieved success on that front. As with his previus debut and 2005’s multi-platinum follow-up It’s Time, Call Me Irresponsible boasts more of Bublé’s buoyant, modern interpretations of standards from a variety of eras, including songs by such greats as Leonard Cohen, Eric Clapton, Cy Coleman, Gamble and Huff, and others, as well as two self-penned originals, including the first single, the uplifting love song called “Everything.”
But it’s hardly business as usual for this Vancouver native. It never is for Bublé, whose irrepressible spirit, engaging humor, and confident charisma once led the New York Times to call him “an entertainer who is completely at home on the stage.”
His new CD, which he calls “my remark on the state of love,” contains a depth of feeling that will surprise and delight long-term fans and impress those new to his music. “To me, what’s different about this CD is that it has a certain raw emotion because I recorded many of these songs live in the studio. Bublé introduces the electrifying, impeccably orchestrated set to follow with the opening track, Cy Coleman’s “The Best Is Yet To Come,” (made famous by Sinatra, Ella Fitzgerald, and others). Then there’s the exhilarating, salsa-flavored “It Had Better Be Tonight,” written by Johnny Mercer and Henry Mancini, which Bublé attacks with a hot-blooded vengeance—“another very sexy song…and edgy.” From there, he takes on “Me and Mrs. Jones,” the 1972 Gamble and Huff classic popularized by soul singer Billy Paul. “David (Foster) brought it to me, I’d never actually heard it before,” Bublé says. “We wanted it to be authentic and tell the story.” Next up is Leonard Cohen’s “I’m Your Man” from the Canadian singer/songwriter’s 1988 album of the same name
Then there’s a swinging, hep-cat version of Mel Tormé’s 1962 pop hit “Comin’ Home Baby,” featuring vocals from Philly soul faves Boys II Men; and a sentimental, self-penned ballad “Lost,” co-written with Chang and Canadian singer-songwriter Jann Arden. A languid, emotional rendition of Eric Clapton’s ballad “Wonderful Tonight,” on which Bublé duets with Brazilian singer-songwriter Ivan Lins, whose work has been covered by everyone from Sarah Vaughn to Ella Fitzgerald follows. “I’ve always been very sentimental about that song,” Bublé says.
Rounding out Call Me Irresponsible is Frank Sinatra’s “That’s Life,” which, in Bublé’s hands, becomes a powerhouse complete with a full choir. To help him capture the intensity in the songs’ meanings, Bublé turned to his long-standing team of producers, which include 14-time Grammy winner
Bublé spent the months his parents were away with his music-loving Italian grandfather, who introduced him to the singers who would become Bublé’s idols: Bobby Darin, Dean Martin, Sinatra, Ray Charles, and Elvis Presley. “These guys were triple threats,” he says. “They could sing, they could dance, they could act. They were entertainers, and I believe that’s a lost art now.”
His debut album was an international smash, going Top Ten in the U.K. and Canada, and earning him his first Juno award for Best New Talent in 2004. The follow-up, It’s Time, sold more than 5.5 million copies, and has remained on the Billboard Traditional Jazz charts for a staggering two years, and in the Number 1 slot for more than 80 weeks, an all-time record.But along with his passion for creating great music in the studio, performing on stage is pure paradise for Michael Bublé. ( http://www.michaelbuble.com/ )
Humphrey Bogart & Dooley Wilson; cantando en "Rick's Café"; film Casablanca,1942
" AS TIME GOES BY"
De la Película Casablanca,1942; "As Time Goes By" cantada por Dooley Wilson. La canción fue compuesta en 1931 por Herman Hupfeld; con la película obtuvo un relanzamiento y en 1943 se mantuvo 21 semanas en los primeros puestos de las listas de éxitos.
Casablanca ganó 3 Oscars; Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión; en Fotografía fue nominada al Oscar. Casablanca en 1997 se eligió como la segunda mejor película estadounidense y en el año 2002 la película con mejor historia romántica; luego en el año 2006 Casablanca fue premiada por los guionistas de cine y televisión como el "mejor guión de todos los tiempos"; entre 101 mejores guiones de la historia del cine.
En la película; la canción solo es cantada parcialmente por Dooley Wilson y es interrumpida por la actuación de Humphrey Bogart; según el argumento de la película; en uno de los momentos más impresionantes de la cinta y más recordados en la historia del cine. La melodía se escucha durante la película como música de fondo dándole un matiz fuertemente romántico a las escenas.
."As Time Goes By" ocupa el segundo lugar de mejor canción de películas. ( el primer lugar es ocupado por "Over the Rainbow", El Mago de Oz y el tercer lugar por "Singin´in the Rain" de la película del mismo nombre ( lista del American Film Institute ); Casablanca es la más sobresaliente obra de la empresa cinematográfica Warner Bros.
"As Time Goes By" fuera de el ambiente cinematográfico ha sido interpretada por muchos artistas; entre los más reconocidos: Perry Como, Frank Sinatra, Harry Nilsson, Barbra Streisand, Carly Simon, Tony Bennett, Willie Nelson, Kenny Rogers; por Rod Stewart en el año 2003 y recientemente por Jane Monheit; hoy día, una de las más jóvenes y mejores vocalistas de jazz & oldies songs.
Dubbed "The First Lady of Song," Ella Fitzgerald was the most popular female jazz singer in the United States for more than half a century. In her lifetime, she won 13 Grammy awards and sold over 40 million albums.Her voice was flexible, wide-ranging, accurate and ageless. She could sing sultry ballads, sweet jazz and imitate every instrument in an orchestra. She worked with all the jazz greats, from Duke Ellington, Count Basie and Nat King Cole, to Frank Sinatra, Dizzy Gillespie and Benny Goodman. (Or rather, some might say all the jazz greats had the pleasure of working with Ella.). She performed at top venues all over the world, and packed them to the hilt. Her audiences were as diverse as her vocal range. They were rich and poor, made up of all races, all religions and all nationalities. In fact, many of them had just one binding factor in common - they all loved her.( from Official Web Site of Ella Fitzgerald ).
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Su vida artística:.
Ella Jane Fitzgerald (Newport News, 25 de abril de 1917 - Beverly Hills15 de junio de 1996), Ella Fitzgerald, también conocida como Lady Ella o The First Lady of Song (La primera dama de la canción), cantante estadounidense de jazz. No obstante esta condición básica de jazzista, el repertorio musical de Ella Fitzgerald es amplísimo e incluye swing, blues, bossa nova, samba, gospel, calypso, canciones navideñas, pop y baladas.
Debutó como cantante a los 16 años, en 1934, en el Harlem Apollo Theater de Nueva York, ganando el concurso Amateur Night Shows con la canción Judy interpretada al estilo de su ídolo Connee Boswell. En 1937 la orquesta de Chick Webb tenia a Ella Fitzgerald como la vocalista de la mayoría de sus temas musicales. Grabó una serie de éxitos con ellos, incluyendo If You Can't Sing It, You'll Have to Swing It, pero no fue hasta la grabación de su versión de la nana A Tisket A Tasket en 1938 cuando alcanzó directamente el estrellato. Durante esta etapa, Fitzgerald era esencialmente una cantante de pop y swing.
Junto con Billie Holiday y Sarah Vaughan, está considerada como la cantante más importante e influyente de la historia del jazz (y, en general, de la canción melódica popular). Estaba dotada de una voz con un rango vocal de tres octavas, destacando su clara y precisa vocalización, y su capacidad de improvisación, sobre todo en el scat, técnica que desarrolló en los años cuarenta y que anunció el surgimiento del bop.
A partir de 1949, entra en contacto con Norman Granz, un empresario amante del jazz y que organiza por todo el mundo las famosa giras conocidas como el "J.A.T.P". Con la "Jazz At The Philharmonic",actúa con los mas grandes instrumentistas del jazz en todo el mundo y logra que toda la critica le reconozca con el titulo que ya siempre le acompañó: "First Lady Of Song" .Un gran cambio se produjo en el estilo de Ella durante este período. Estuvo de gira con la banda de Dizzy Gillespie y adoptó el bebop como parte de su estilo, y comenzó a incluir fragmentos de scat en sus interpretaciones. Sus grabaciones de "Lady Be Good", "How High the Moon" y "Flying Home" durante 1945-1947 se hicieron muy populares y su estatura como una de las primeras voces del jazz se asentó.
En los años cincuenta sentó cátedra con su concepción de la canción melódica, en paralelo a la obra de Frank Sinatra, Ella Ganó 13 Premios Grammy a lo largo de su carrera.
Cantante insuperable de big band, se encuentra igualmente a sus anchas cantando en pequeños clubes, en trío con el clásico formato de piano, contrabajo y batería. Ella en las décadas de los 40s, 50s y 60s fue la mejor interprete en cantando jazz, blues y baladas. Sus encuentros con músicos de jazz, produjeron grabaciones de memorables composiciones. Las colaboraciones de Ella Fitzgerald, con las orquestas de Duke Ellington, o Count Basie, los tres importantes discos que grabó con Louis Armstrong, o sus álbumes con Oscar Peterson, Tommy Flanagan, o Jimmy Rowles, acompañada por su trío habitual, son auténticas joyas musicales. Lo más importante que nós dejó Ella Fitzgerald, son los titulados "Song Books"
Los "Song Books" de Ella Fitzgerald, fueron dedicados a los más reconocidos compositores de la música estadounidense: 1956: Sings the Cole Porter Song Book (Verve) 1956: Sings the Rodgers and Hart Song Book (Verve) 1957: Sings the Duke Ellington Song Book (Verve) 1958: Sings the Irving Berlin Song Book (Verve) 1959: Sings the George and Ira Gershwin Song Book (Verve) 1960: Sings the Harold Arlen Song Book (Verve) 1963: Sings the Jerome Kern Song Book (Verve) 1964: Sings the Johnny Mercer Song Book (Polygram)
Duke Ellington, en su majestuoso "Portrait of Ella Fitzgerald" retrato musical de la cantante, tituló uno de ellos con dos palabras que definen perfectamente el arte de esta mujer excepcional: "....Ella Fitzgerald está más allá de cualquier categoría". ( from Wikipedia )
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LOUIS ARMSTRONG - Biography
By virtue of the role he played in its evolution during the first quarter of the 20th century, Louis Armstrong is regarded as the most influential jazz musician in history. This distinction is coupled with his stewardship of jazz around the world over the next five decades as the earliest and greatest ambassador of America's first true musical art form. With the liberating effects of the Jazz Age reverberating on world culture since the 1930s, Satchmo's contributions to society are now measured alongside those of the greatest artists, philosophers and statesmen of the modern era. In the year 2000, we celebrate the centennial of his birth on July 4, 1900 - a date that Louis took with him throughout his life. While historical evidence discovered nearly two decades after his 1971 death suggested a different birth date, there has never been any conclusive reason to dispute Pops' own c.v. ( from Official Web Site of Louis Armstrong ).
Su vida artística:
Nació en Nueva Orleans, 4 de agosto de 1901, también conocido como Satchmo y Pops, fue un trompetista y cantanteestadounidense de jazz. Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile con raíces folclóricas en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como cornetista y trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme influencia para el canto jazzístico.
A la edad de 17 años; entre 1918 y 1919, ya con una bien ganada reputación como cornetista, fue contratado por el director de orquesta Kid Ory, gracias a una recomendación de Joe King Oliver, que había dejado el puesto de cornetista. Louis llegó por este camino a tocar en algunas de esas orquestas de Nueva Orleans,
En 1922, Armstrong se unió al éxodo generalizado de músicos que se produjo hacia Chicago, a donde había sido invitado por Joe King Oliver para incorporarse a su Creole Jazz Band como segundo cornetista. La orquesta de Oliver era, a comienzos de los años veinte, la mejor y la más influyente agrupación de swing de Chicago, en una época en que la ciudad era el centro del jazz; fue en este momento cuando la popularidad de Armstrong empezó a incrementarse de forma exponencial.
En 1923, Armstrong hizo su debut con la orquesta de Oliver para el sello discográfico Okeh Records.
En 1925 regresó a Chicago para unirse a la orquesta de Lil en el Dreamland Ballroom; empezó a grabar bajo su propio nombre para el sello OKeh acompañando a dos formaciones creadas por él llamadas Hot Five y Hot Seven, produciendo éxitos como "Potato Head Blues", "Muggles" (una referencia a la marihuana, hacia la que Armstrong tuvo tendencia desde siempre) y "West End Blues". El trabajo de Armstrong con ambos grupos se convertiría en clásico dentro de la historia del jazz, siendo enormemente influyente y reinterpretado. Fuera del estudio continuó tocando con Big Bands, como por ejemplo las de Erskine Tate y Carroll Dickerson.
Su mejor sonido trompetístico se puede escuchar en las grabaciones con sus Hot Five y Hot Seven. Las improvisaciones que hizo en aquellas grabaciones sobre estándares del jazz de Nueva Orleans y sobre otras canciones populares del momento, han resistido perfectamente el paso del tiempo hasta el punto de soportar la comparación con cualquiera de las hechas por otros intérpretes posteriores. La generación más antigua de jazzistas de Nueva Orleans se refieren con frecuencia a sus improvisaciones como variaciones melódicas. Las improvisaciones de Armstrong fueron novedosas y sofisticadas en su época, aunque eran sutiles y melódicas. Lo que normalmente hacía era recomponer los temas populares que tocaba, haciéndolos más interesantes. El toque de Armstrong está lleno de alegres, inspiradas y originales melodías, saltos creativos y ritmos sutilmente relajados o dinámicos. El genio de estas composiciones tan creativas se origina en la técnica interpretativa de Armstrong, conseguida tras una práctica constante que amplió su gama, su tono y las capacidades de la trompeta. En estas grabaciones, Armstrong casi llegó a crear sin ayuda de nadie el papel del solista de jazz, convirtiendo lo que era en esencia una música colectiva de tipo folk en una forma de arte con enormes posibilidades para la expresión individual.
Tras muchos años de gira, se asentó permanentemente en Queens, Nueva York, en 1943. Hacia 1947, Armstrong redujo su banda a seis instrumentos, volviendo así al estilo Dixieland que lo había hecho famoso al principio de su carrera. Este grupo fue llamado All Stars
En 1964, Armstrong grabó el que sería su tema más vendido: "Hello, Dolly". La canción obtuvo el puesto número uno en las listas de Estados Unidos, superando al grupo inglésThe Beatles. Armstrong también obtuvo por el disco un premio Grammy al Mejor Cantante masculino y fue nominado a Mejor Disco del año. En este álbum se encuentra, también, otro tema clásico de Armstrong: "Jeepers Creepers".
Debido a problemas de salud, restringió sus actuaciones a lo mínimo hacia el final de su vida, aunque seguiría tocando hasta el día de su muerte. Louis Armstrong sufrió un ataque al corazón en 1959, del cual se pudo recuperar para seguir tocando. Pero un segundo ataque al corazón en 1971, le obligó a guardar reposo durante dos meses. Se reunió nuevamente a tocar con su grupo el 5 de julio de ese mismo año y, al día siguiente, murió mientras dormía por complicaciones de su corazón, justo un mes antes de cumplir 70 años.
A Armstrong se le considera el inventor de la esencia del canto jazzístico. Tenía una voz extraordinariamente peculiar, grave y rota, que desplegaba con gran destreza en sus improvisaciones, reforzando la letra y la melodía de una canción con propósitos expresivos. Fue también un gran experto en el scat, e incluso de acuerdo con algunas leyendas lo había llegado a inventar él durante su grabación de "Heebie Jeebies" al verse obligado a improvisar sílabas sin sentido al caérsele las partituras al suelo. Billie Holiday, Bing Crosby y Frank Sinatra son ejemplos de cantantes influenciados por él.
Armstrong apareció en más de una docena de películas de Hollywood (aunque en pocas con cierta relevancia), habitualmente de director de banda o como músico. Fue el primer afroamericano en protagonizar un espectáculo radiofónico de ámbito nacional en los años treinta. Realizó también apariciones televisivas, especialmente en los cincuenta y sesenta. Louis Armstrong tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en el 7601 Hollywood Boulevard.
Sus grabaciones más famosas:
1923: Louis Armstrong and King Oliver (Milestone) 1923: Clarence Williams' Blue Five (CSB) 1928: Hot Fives And Sevens, Vol. 3 (JSP) 1931: Stardust (Portrait) 1933: Louis Armstrong Sings the Blues (RCA) 1947: Satchmo at Symphony Hall, Vol. 2 [live] (Decca) 1949: Satchmo Serenades (Polygram Records) 1951: Satchmo at Pasadena [live] (Decca) 1954: Louis Armstrong Plays W.C. Handy (Columbia/Legacy) 1955: Louis Armstrong at the Crescendo, Vol. 1 [live] (Decca) 1955: Ambassador Satch (Columbia/Legacy) 1955: Satch Plays Fats: The Music of Fats Waller (Sony) 1955: Satchmo the Great (Sony) 1956: Ella and Louis (Polygram Records) 1956: Pasadena Civic Auditorium June 20, 1956 (Giants of Jazz) 1957: Porgy & Bess (Polygram Records) 1957: Ella and Louis Again (Polygram Records) 1957: Louis Armstrong Meets Oscar Peterson (Polygram Records) 1957: Louis and the Angels (Umvd Labels) 1959: The Five Pennies (Decca) 1960: Happy Birthday, Louis! Armstrong & His All-Stars (Omega) 1960: Satchmo Plays King Oliver (Varese Sarabande) 1961: Together for the First Time [With Duke Ellington] (Roulette) 1963: Hello, Dolly! (Mca) 1968: What a Wonderful World (Verve) 1968: Disney Songs the Satchmo Way (Disney) 1969: On Her Majesty's Secret Service (Capitol). BSO de 007 al servicio de su majestad. 2002: The Best of Louis Armstrong: The Hot Five and Seven Recordings (Columbia/Legacy) 2002: Satchmo Live (Orpheus Records) 2006: Complete New York Town Hall & Boston Symphony Hall Concerts (DeFinitive)
